Buch vs. Film: The Hunger Games

Alle lieben Jahre entscheiden sich die Filmemacher unserer Zeit, den Erfolg einer entweder verstaubten oder brandneuen Fantasy- oder Utopie-Buchreihe auch im Kino zu vermarkten. 2008 erschien der erste Band von Suzanne Collins Triologie The Hunger Games und bereits 2012 verlieh Hollywood den Buchcharakteren Gesichter.

V wie Vendetta, Planet der Affen,Orwells 1984. Literarische Dystopien spalten nicht selten die Lesegeister, zeichnen sie sich doch meist durch ihr Kritik an der diktatorischen Obrigkeit und das eher beklommene, negative Finale aus. Auch die Geschichte vom Leben und Leiden der Katniss Everdeen, die für ihre Schwester in eine Fernsehshow namens Hunger Games zieht, wo sich 24 Jugendliche zwischen 12 und 18 Jahren regelrecht abschlachten und mit psychologischer Taktik zugrunde richten, entspricht dsytopischen Kriterien. Klingt nicht besonders möglich, denkt man zunächst, klappt Collins Buch zu, malträtiert seine Fernbedienung und entschließt sich nach Sendungen, in denen Großmütter an Familien versteigert werden, Heidis Mädchen für ein Foto auch ohne doppelten Boden grazil Brücken hinunterspringen würden, Johnny Knoxville seine Harnröhre aus Showmanie Katheterabhängig quetscht oder Bohlen nach Jahren beleidigender, unqualifizierter Semi-Kommentare nun auch Kinder in die TV-Pfanne des Selbstbewusstseins hauen will, dass die Hunger Games so abwegig gar nicht mehr sind.

Angelehnt an die mythologischen Erzählungen über Theseus und den Minotaurus, erschuf die amerikanische Autorin Suzanne Collins eine Triologie, die in Buchhandlungen getrost bei den Jugendbüchern eingestellt wurde, auf der Leinwand durch ihre FSK 12 jedoch zahlreiche Diskussionen vom Zaun brach. Zu Recht, wie scheint, denn man kommt nicht drum herum den Gedanken zu zücken, dass der Kommerz in diesem ‚Spiel‘ ein nicht ganz unwichtiger Begriff ist. Auch wenn die höheren Jahrgänge der Damen und Herren Fangemeinschaft utopischer Literatur hin und wieder einen Ravenclaw-Schal stricken oder nun Mockingjay-Anstecker an ihre Jacken pinnen, Umsatz via Bravo, parteiischen T-Shirts  und Co. kauft statistisch doch eher das pre-pupertierende Volk.

Buch vs. Film The Hunger Games:  Nicht immer bedeutet, den Buchautor zum Drehbuchautor zu ernennen, auch ein buchnahes Filmskript. Suzanne Collins ans Set zu holen, stellte sich jedoch nicht allein auf Grund ihrer TV-Erfahrung bei Nickelodeon als goldrichtige Entscheidung heraus, zumal ihr Buch bereits in vielerlei Hinsicht szenische Vorlagen liefert. Die ungewöhnliche Umsetzung durch übermäßige Kamerawackler und schlichte Unübersichtlichkeit bei Kampfszenen bietet für viele Zuschauer Grund zum genervten Stöhnen, kitzelt aber passgenau Katniss‘ subjektive Sicht und Unvorhersehbarkeit der Dinge heraus. Im Hinblick auf die Literaturverfilmungen der letzten populären Jugendbuchreihen ist wohl mit Verlaub zu sagen, dass man dem Herrn im Stillen für deutlich besseres schauspielerisches Können, als es zu Beginn der Harry Potter-Saga der Fall war, oder einfach nur für die Wahl der aussageträchtigeren Buchvorlage, als wir es von pseudo-bissigen Glitzer-Vampirromanen gewohnt waren, dankt.

Hervorstechend gut ist die Besetzung der Nebencharaktere, wie Haudegen Woody Harrelson, dem göttlichen Stanley Tucci und Donald Sutherland als obligatorischen Mann mit weißer Haarpracht; seit Tolkien unmöglich wegzudenken aus einem fantastischen Werk. Trotz abgeschwächter Härte der Hunger Games, weniger Liebelei und der Notwendigkeit Nebenstränge zu schmälern, bekommen Bibliomanen mit der cineastischen Darstellung des Buches nur wenig Nörgelpotential geboten.

Sieger: Der bleibt dies Mal tatsächlich auf der Strecke, denn Buch und Film bleiben zumindest was Band 1 betrifft einander treu. Man darf auf die filmischen Fortsetzungen gespannt sein.

Alle Beiträge der Rubrik Buch vs. Film gibt’s hier.

Text: Eni Elisa Hausmann

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The Victorian cult of the child

Laszivität trifft auf Märchen. Wer sich den Geburtsstunden der britischen Fotokunst Mitte des 19. Jahrhunderts widmet, kommt nicht umher dem Motiv des Kindes zu begegnen. Berühmtestes Beispiel ist wohl Alice Liddell, Tochter des einstigen Christ-Church-Dekans in Oxford und Mustervorbild für die weltbekannte Helding aus Carrolls Alice in Wonderland. Die Fotografien von Kindern, vor allem mit Einbezug von Märchenmotiven, waren zu damaligen Zeiten kein Einzelfall und wirbeln bis heute in wissenschaftlichen Arbeiten das Thema Pädophilie bei Carroll, Barrie und Co. auf. Die kontroverse Thematik wird zwar, lösgelöst von der vorurteilshaften Gegenwart und vor die  Kulisse vom UnschuldpreisendenVictorian England gesetzt, nicht immer vollkommen getilgt, verliert aber gehörig an Durchschlagskraft und macht den Kinderkult sowie dessen Einfluss auf die Kinderbuchautoren im viktorianischen England zu einer vielschichtigen Materie. Auszug aus dem englischsprachigen Essay The Victorian cult of children and girls.

The Victorian and Edwardian upper class in society often put children in an uplifted and even glorified position. Most likely this notion was based on the childish status of innocence and purity, which many famous writers of this time envied for their whole lives and often allegorized in their stories. The depiction of children as divine already emerged long before Carroll’s Alice. “The Child is the father of the Man” [1] wrote Wordsworth in his lines of My heart leaps up in 1802. The “emergence of the cult of the little girl”[2] at the end of the 19th century seemed to be a distinctive offshoot of the Victorian “cult of the child”.[3] For many children’s book writers at that time, such as James M. Barrie and Lewis Carroll, the ‘cult of the child’ was a major theme and likewise a part of their attitude towards life. Due to an utter dedication to childhood and a frank expression of their fondness for children, their fantastical narrations were always completely devoted to children and seemed to unfold their engrained desire to be an innocent child. Peter Hunt even relates to childhood as a “different culture – possibly an anti-culture or counter-culture.”[4] Children more or less represented their own values and standards within their “counter-culture”, probably to protect themselves from the “fixed schemas”[5] of adults and the severe process of adolescence.

In the 19th century, photography was the most sensational and new art form. For many Victorian artists, the exciting invention offered a brand-new possibility of depicting reality. After all, most “visual and literary art seemed to engage directly with the ‘real’ world”.[6] Among many photographers at that time were also John Ruskin and Lewis Carroll. Their pictures of Victorian children, especially girls, have lead to reams of scholarly examination, which frequently factored paedophilia as a substantial aspect into discussion. Carroll’s preference for spending time with girls rather than with boys or women was surely due many reasons. There was, for instance, the memory of his male schoolmates who mocked him due to his lingual titubation. Nevertheless, he had not only difficulties getting involved with female adults, but with grown-ups in general.[7] As soon as boys grew out of their infant “girlish”[8] daintiness or girls turned into young women, Carroll lost a good portion of his interest in them.[9] This process of selection certainly indicated an utter adoration and, at the same time, an obsession with “girlish” children but also the angelic purity of children in general. Carroll’s “diary reveals no sign of sexual torment in him”[10], and it is assumed that his intentions were limited to plain attention, playfulness, mawkishness and childish friendship.[11] At any rate, photographers and visionaries like Carroll made an immense contribution to the literature and art world and also to the ‘cult of the little girl’.

One can only guess how strong the spirit of childhood inspired Carroll, but he definitely “gave us Alice in his writings as an abstraction from his feelings towards little girls.” However, our “sophisticated century […] considers the fantasies to be quite sexual”[12], but often ignores the aspect of innocence, which is concealed in the pictures of Victorian girls. Children were basically considered gender-neutral for a long period in the 19th century.[13] Apparently, Barrie’s Peter Pan embodies asexuality within his character. Barrie concentrates on the theme of childish purity and innocence in his novel, just like Carroll dealt with the depiction of innocent girls and boys. He too seemed to recognize the childish purity only in girlishness. Moreover, both writers were known for their unlucky childhood or even deprived of it[14], which makes their examination of childish innocence in their work even more interesting. Preadolescent girls or boys in nightgowns, costumes or simply sitting on a chair were the recurring subjects of Carroll’s or Ruskin’s photography, but the formations in the images always seemed to suggest a deeper matter. Victorian artists constituted “an apparently sexless valuation of girls in an ideal form.”[15] The aspect of sexual suspension was already a considerable issue in the Victorian culture. Concerning this matter, Jordan Thomas describes the Victorian attitude as an “arrested state of development”[16], which became noticeable through a certain reserve when one was confronted with sexuality. Contemporary photography and art prevalently centred on little girls and boys to allude to the innocent and unaffected spirit of childhood and uninhibited naturalness. As for Carroll, he also comprised the theme of fairy tales or the escape of the nursery within pictures, such as Little Red Riding-Hood or The Elopement. The latter has been compared to a “dream sequence, like Alice’s adventures”.[17] To some extent, it appears that he depicted the girl escaping from her nursery room in order to indicate the end of her childhood or possibly her escape from the real world into a fantasy land. Carroll considered children pure and admirable[18] and his true dedication, as also of many other writers, constituted within the cult of childhood. Like Carroll, many writers dedicated their stories mainly to children or even had a real model for their heroes.

Text: Eni Elisa Hausmann
Bild: Lewis Carroll


[1] William Wordsworth, “My heart leaps up,” The Norton Anthology of English Literature. Vol. 2. Ed. Stephen Greenblatt  (New York: Norton, 2006) 306.
[2]
Thomas E. Jordan, Victorian Childhood. Themes and Variations (New York, Albany: State U of New York P, 1987) 65.
[3]
Alexandra Warwick, “Key Critical Concepts and Topics,” The Victorian Literature Handbook, Alexandra Warwick and Martin Willis, eds. (London: Continuum, 2008) 147.
[4]
Peter Hunt, Criticism, Theory, and Children’s Literature (Oxford: Basil Blackwell, 1991) 58.
[5]
Hunt, Criticism 57.
[6]
Maureen Moran, Victorian Literature and Culture  (London: Continuum, 2006) 19.
[7]
Cf. Wolfgang Günther, Wege ins Wunderland. Von Peter Pan bis Harry Potter. (Frankfurt: Martin Gold, 2006) 16/17.
[8]
Helmut Gernsheim, Lewis Carroll: Photographer (New York: Dover, 1969) 18.
[9]
Cf. Roger Sale, Fairy Tales and after: from Snow white to E.B. White (Cambrigde, Mass.: Harvard UP, 1978) 107.
[10]
Sale, Fairy Tales and after 107.
[11]
Cf. Sale, Fairy Tales and after 107/108.
[12]
Jordan, Victorian Childhood 65.
[13]
Cf. Günther, Wege ins Wunderland 15.
[14]
Cf. Günther, Wege ins Wunderland 56.
[15]
Jordan, Victorian Childhood 65.
[16]
Jordan, Victorian Childhood 65.
[17]
Jo Elwyn Jones and J. Francis Gladstone, The Alice Companion: a guide to Lewis Carroll’s Alice books (Basingstoke, Hampshire: Macmillan, 1998) 83.
[18]
Cf. Gernsheim, Lewis Carroll 21.

Buch vs. Film: Fear and Loathing in Las Vegas

Was haben wir der 1968er-Bewegung nicht alles zu verdanken: Woodstock, Gesellschaftslockerung, Flower Power, Miniröcke. Und mittendrin Hunter S. Thompson, den Doktor des Journalismus. Die meisten kennen nur sein Alter Ego Raoul Duke, der einst als Johnny Depp in blümchenübersätem Hawaiihemd und mit Zigarettenhalter zwischen den Zähnen Filmgeschichte schrieb. Dabei pulsiert im verqueren „Fear and Loathing“-Kosmos ein Wort, ohne dass wir heute gar nicht guten Gewissens bloggen sollten: Gonzo.

Der Gonzo-Journalismus: die subjektive Berichterstattung durch den Autor, welche Realität, Autobiografie und auch Fiktion verknüpft, nicht selten Schimpfwörter, Polemik, Sarkasmus oder Zitate nutzt und in den 1970ern von Gonzo-Papst Hunter S. Thompson (1937-2005) mit dem semi-autobiografischen Werk Fear and Loathing in Las Vegas (1971) begründet wurde. Der Schlüsselroman einer Sparte des New Journalism, die heute nicht mehr wegzudenken ist.

Wie schon bei Fight Club hieß es auch diesen Monat wieder Nicken und Zähneknirschen bei den BvF-Vorbereitungen, wenn Bekannte den Buchtitel erspähten. „Ah, Fear and Loathing. Das ist doch dieser Drogenfilm?“ Im Grunde steht dem nichts entgegen: Gras, Meskalin und Acid sind nur einige der Drogen, die ab Seite 2 stetige Begleiter eines abgefahrenen, in jeder Weise als Trip zu betitelnden Ausflugs des ultimativen Bizarro-Gespanns Raoul Duke und dessen Anwalt Dr. Gonzo sind, deren Ziel die Antwortfahndung einer ganz speziellen Frage ist: Was ist eigentlich aus diesem amerikanischen Traum geworden, von dem die 1968er nur so strotzten?

Es ist sicherlich kein Zufall, dass sich fast drei Jahrzehnte lang kein Regisseur an ein buchnahes Skript gewagt hatte bzw. die zähe Idee von einer Animationsverfilmung mit der Zeit langsam versiebte. 1998 dann kam Terry Gilliam, dem man bis dahin auch schon 12 Monkeys verdankte, es kamen auch Johnny Depp – eigenhändig vom echten Thompson erwählt und zum Glatzkopf gestutzt – und Benicio del Toro sowie die damals noch weniger bekannten Darsteller Tobey Maguire oder Cameron Diaz; es entstand der Kultfilm Fear and Loathing in Las Vegas.

Und heute? Da ziehen die einstigen Kinder der späten 1990er an ihren Marihuana-Stängchen, bevor sie, ganz Retro, dem Trip zweier durchweg zugedröhnter Typen im Heimkino auf der Klappcouch zusehen, bei „Wir können hier nicht halten, das ist Fledermausland“ losgrölen und eigentlich nur selten realisieren, dass ihr eigenes Zeitalter – voll von Subjektivität und Webblogs prallgefüllt mit Individuum-vs.-Welt-Geschichten – eine einzige Gonzo-Renaissance ist.

Buch vs. Film Fear and Loathing in Las Vegas: Schier unerträglich bizarr kann ein Film nur werden, der sich an Thompsons Worte hält. Denkt man zumindest, nachdem sich dessen LSD-geladene Lektüre noch frischgelesen in einem herumwälzt. Unglaublich, aber wahr ist jedoch, dass die erste Buchhälfte getreu der Vorlage von Gilliam und Crew visualisiert wurde. Johnny Depps einzigartige Mimik und dessen äußerliche Ähnlichkeit zum Original hätten besser nicht sein können. Erst zum Ende der Geschichte wird deutlich, was in der Literatur wirkt, das gonzoistische Drogenwunderland im Film jedoch leicht schluckt: die journalistische Hommage des Anti-American Dream. Immer wieder stolpert man in der zweiten Romanhälfte über Anmerkungen des Verlegers, der aus rechtlichen Gründen hier den Namen einen Drogengurus der 1970er nicht publizieren mag oder dort ein Tonband Thompsons weder transkribieren noch schlüssig machen kann, da selbst der Autor sich weigert, es zu lesen oder es wieder einmal unauffindbar ist. Herrlich, doch im Film unmöglich zu erfassen.

Exzessiven echten Literaturjournalismus erfährt der Leser, niemals einen reinen Unterhaltungsroman. „Fear and Loathing. Das ist doch dieser Drogenfilm, oder?“ Nein. Das ist die Geschichte über das Scheitern des amerikanischen Traums, über die Suche nach einer Antwort auf die Sinnfrage des tragikomischen Seins, über die Flucht vor all dem verdrehten Grotesken, das die drogenfreie Gesellschaft zu bieten hat, und über die Begründung des Gonzo-Imperiums.

Der Sieger: Die Tendenz zum dicken fetten unentschieden ist gigantisch. Bei einer erzwungenen Entscheidung jedoch: Buch. Ist und bleibt ein Schlüsselroman.

Alle Beiträge der Rubrik Buch vs. Film.

Text: E.E.Hausmann

Cine Choc

© photo&coSchokolade und Film: Zwei unserer allerliebsten Suchtfaktoren. Die Ratgeber-Website ellviva empfiehlt aus elfenbeinturmischer Feder nicht nur Filme über das Unerlässliche (ja, Schokolade), sondern liefert auch die passenden Originalrezepte. So wandern die süßen Ideen von der Leinwand direkt in Eure Küche. Lest hier den Artikel über Bezaubernde Schokolade im Film.

Neben Bittersüße Schokolade (1989, verfilmt 1992) und Chocolat (1999, verfilmt 2000) hier noch mehr Choc in Buch&Film:

  • Charlie and the Chocolate Factory von Roald Dahl (1964,verfilmt 1971 und 2005)
  • Bridget Jones-Schokolade zum Frühstück von Helen Fielding (1999, verfilmt 2001 und 2004)
  • Milch und Schokolade (1989, org.: Romuald et Juliette)
  • Die Schokoladenprinzessin (TV 1992, org.: Amour et chocolate)
  • Dem Himmel so nah (1995, auch wenn es in erster Linie um Weintrauben geht, Keanus Pralinenkoffer hält bis zum Ende durch)


Buch vs. Film: Fight Club

Fight Club, Buch, Film„Du hast mich in einer seltsamen Phase meines Lebens getroffen.“ Einer der wohl populärsten Schlusssätze der modernen Filmgeschichte. Die Cinema nannte ihn einst eine „Splittergranate von Film“. Fight Club spielte weltweit über 100 Millionen US-Dollar ein. Doch begonnen hat der Hype, wie könnte es anders sein, mit einem Buch. Alles über die Symbiose zwischen zwei zeitgenössischen Erzählgenies und welche Frage eine Koluminstin zum Zähneknirschen bringen kann.

Es war einmal ein Jahrzehnt, sie nannten es die 90er, in dem die Buchläden als Startrampe für die heutigen Chick Flicks, die typischen Frauenfilme, genutzt wurden. Es war die Zeit, als die Ya-Ya-Schwestern ihr göttliches Geheimnis ausposaunten, als Anne Bancroft Winona Ryder einen amerikanischen Quilt flickte und Helen Fielding vermutlich ihre ersten Notizen für Schokokönigin Bridget kritzelte. Doch wo blieb das moderne soziale Rollenmodell, wo die gesellschaftlichen Verhaltensregeln für den Mann?

Es war daher auch das Jahrzehnt, als der amerikanische Journalist Chuck Palahniuk den namen- und schlaflosen, in Fan-Kreisen als Jack bezeichneten, Erzähler seines Erstlingswerks Fight Club (1996) erfand, der auf Tyler Durden trifft und in einen Strudel aus Generationsaggression, Gesellschaftshass und, ja, Unmengen Seife gerät. Bis auf Letzteres literaturgeschichtlich nichts Innovatives. Auch Palahniuk sagt von seinem Buchkonzept, es sei im Grunde eine tragische, aber „klassische alte Liebesgeschichte, nur ein wenig aktualisiert, um gegen Espressomaschine und Sportkanal eine Chance zu haben.“

Dann traf 1999 David Finchers Adaption (Das seltsame Leben des Benjamin Button, Sieben) den Nerv der Generation Fernsehen, der Generation Genügsamkeit, die „keinem Krieg und keiner großen Depression“ ausgesetzt ist und auch ich gestehe: Das Buch war vergessen, nachdem das Dreigestirn Pitt, Norton und Bonham Carter einschlug.

Wie sehr es unter den Menschen in Vergessenheit geraten war, verrieten mir während meiner BvF-Vorbereitung die eingehenden (meist männlichen) Blicke in Bus und Bahn, die mehrfach prüften, ob denn da von der jungen Frau tatsächlich Fight Club ‚gelesen‘ wird sowie auch die Fragen von Freunden und Kollegen. „Dazu gibt es ein Buch?“ oder „Ist das das Buch zum Film?“ (Letzteres führte zu Belehrungen meinerseits, die in der Regel mit einem dogmatischen „Wenn überhaupt: der Film zum Buch“ samt patriotischem Buch-gegen-Brust-Drücken endeten).

Buch vs. Film Fight Club: Doch was hat es denn nun auf sich mit der Geschichte über Prügelschweiß und Gesellschaftskritik, die, je mehr man über sie nachdenkt, zum Spiegel einer ganzen Generation wird? Fakt scheint, wer sich Palahniuks Worten widmet, bevor er sich Thriller-Guru Fincher, Pitt und Co. zu Gemüte führt, entgeht der üblichen Ernüchterung, die der Leser bei Literaturverfilmungen so oft empfindet. Alles, was Fincher in das Manuskript an neuem Szenenmaterial einflechtet, fühlt sich für den Romankenner nicht wie eine unerwünschte Ergänzung oder Veränderung des chronologischen Verlaufs von Palahniuks Lesestoff an, sondern wie eine betonende Hommage an dessen Fähigkeit mit der Leserpsyche zu spielen. Die Wirkung die Palahniuk mit Worten erzielt, untermalt Fincher mit visuell-schroffer Momenthaftigkeit, die selbst der Autor als ultimative Effizienz seines Werks beschrieb und die ihn gar neidisch machte (Interview mit Chuck Palahniuk).

Gefühlte 90% aller Dialoge und Sequenzen wurden übernommen und durch Finchersche inhaltliche Verknüpfungen vervollständigt. Die einzige wirklich wahrnehmbare Änderung scheint das große Finale zu sein, das im Gegensatz zum Film buchtechnisch eher mau, aber nicht weniger sozialkritisch ausfällt. Zudem entlockt der Film durch Brad Pitts häufig urkomische Tyler-Interpretation deutlich mehr Situationslacher als es die literarische Vorlage tut, in der die Ziellosigkeit des Erzählers dominiert. Während man über die grandiose Wirkkraft der drei Hauptdarsteller im Grunde gar nicht mehr zu diskutieren braucht, kann die seltene Symbiose, das Ineinandergreifen zwischen Palahniuk und Fincher, zwischen Literatur und Film bei Fight Club Seiten wissenschaftlicher Arbeiten füllen.

Der Sieger: Film oder doch Buch? Nein, diesmal der Film. Einschlägige und durchdringende, pure Krassheit – auf Papier und Filmrolle.

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Text: E.E.Hausmann

Buch vs. Film: Zwei an einem Tag

Liebesromane gibt es auf dem modernen Buchmarkt wie Sterne am Firmament eines amerikanischen Spielfilms. 2009 war David Nicholls Zwei an einem Tag einer dieser hellen Sterne am romantischen Literaturhimmel. Nicht einmal zwei Jahre später wurde die ungewöhnliche Liebesgeschichte über Em und Dex verfilmt.

One Day, ein Tag, lautet der Originaltitel und der ist in Nicholls Roman der St. Swithin’s Day, der 15. Juli. Zwanzig Jahre im Leben von Macho Dexter Mayhew und Wortjongleurin Emma Morley werden im literarischen Katzensprung durchforstet. Freundschaft, Liebe, Familie, Abhängigkeit, Entfremdung, Vertrautheit, Reisen und das Streben nach Träumen erleben die beiden von Grund auf unterschiedlichen Charaktere.

Aha, eine weitere kleine Liebesgeschichte, denkt man beim Durchlesen des Klappentexts zunächst. Doch die konzeptionelle Innovation, welche den Verlauf der Geschichte stets an den 15. Juli jeden Jahres bindet, gibt den beiden Protagonisten eine besondere Tiefe und stellt ihre steten Differenzen immer wieder aufs Neue heraus. Aspekte, die bei der Verfilmung von 2011 leider nicht so durchgängig umgesetzt wurden. Dass das Buch nie ein klassischer Liebesroman war, sondern vor allem durch Emma Morleys zynischen Humor intellektuell und komplex bleibt, erschließt sich den Filmfreunden ebenfalls, wenn auch nicht so herausragend wie im Buch. Einige Sequenzen erscheinen im Film auffallend romantisiert. Neben der zum Ende hin ausbleichenden Verschiedenheit der Charaktere und deren grundlegender Ziellosigkeit, die nach und nach verlorengeht, wird da ein Kuss von der schlichten Zimmerkulisse in der Vorlage an ein verkitschtes Flussufer in der Pariser Innenstadt verlagert.

Newcomer Jim Sturgess sowie Anne Hathaway, die sich in den letzten Jahren erfolgreich durch emotional krassere Charakterrollen von ihrem „Plötzlich Prinzessin“-Diadem befreien konnte, sind als Dexter und Emma beide Sympathieträger und lassen den Film nie gänzlich in einen klischeehaften Schnulzenstreifen abdriften. Durch die einzelnen Episoden geprägt ist vor allem der zeitliche Wandel von Mode und Lifestyle gelungen. Nur zwei Konstanten gibt es, die stets umeinander kreisen, wenn auch nicht immer auf gleicher Wellenlänge: Em und Dex, die zueinander gehören, ohne zu wissen, weshalb.

Buch vs. Film Zwei an einem Tag: Buchtreues Drehbruchskript, in dem die episodenhafte Darstellung aus der Vorlage leider ein bisschen sprunghaft wirkt und alles – von Charaktertiefe über Emmas geistreichen Humor bis zur kitschlosen Romantik – irgendwie ein wenig auf die Zuschauererwartungen zugeschnitten erscheint.

Der Sieger: Definitiv Buch. Auch wenn sich die Emma-Dexter-Liebe im (Heim)Kino gelegentlich als würdig erweist.

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